自台浊有人开始写音响器材的评论以来，有关音响器材表现的各种名词、形容词就一直处于不够精确的情况下;而且，许多名词或形容词也一直被评论员或读者们误解、误用，以致于产生廿多不虑核有的迷感典矛盾。究其原因，中国人「差不多先生」的个性脱离不了责任，国内国外土洋杂用的名词也是原因之一;最后，评论员本身及赞者未能对器材评论中所用的名词、形容词深思也是帮凶。因此，许多的器材评论如果仔细分析下来，便会发现除了末作系统化的评论、三漏四之外，许多评论甚至可说是玩弄文字游戏，灌水填充版面之劣作。说得直接一点，许多评论文章离应该有的精确、扎寅境界还有一段距离。

几年以前，我因深受上述事项所苦，因此曾经写了一篇「音向十要」的短文，当时碉是简单说明我评论器材的方向。事隔多年，我发现「音响十要」已经无法满足「精确」的要求，而且包括我自己在内，许多评论文章仍然会因偷懒而写得不够周全。因此脑中就蕴酿看要重新为如何写、看器材评论文章下个较详细的分项。让我自己、「音响论坛」的评论员、以及读者们都有一个明确的指引。唯有这样，文字的传达才能作到最低失真;也唯有如此，器材评论的文章才能更扎贸、精练，且言之有物。或许，我的思考尚不够周全，以下的二十分项可能仍有疏漏或值得再论之处。不过，我希望它是一个好的开始，不仅是「音向论坛」采用它，如果国内其它音响杂志的评论员也能每次都写齐这些分项，那么读者们在阅读评论文章之后，一定能够得到清晰的器材印象，而非像以前的模糊不堪、模棱二可的「差不多先生」了。

音质

音质是指声音的质量，许多人都把它与「音色」混淆了。什么叫作声音的质量?当您在说一双鞋子质量好的时候，您指的一定是合脚、舒服、耐穿，而不是指它的造形好不好看、时髦不时髦。同样的，当您在说一件音响器材音质好、坏的时候，您也不是在说它的层次如何、定位如何，而是专指这件器材「耐不耐听」!就好像耐不耐穿、合不合脚一样。一件音质很好的器材，它表现在外的就是舒服、耐听。您不必去探讨它听起来舒服、耐听的原因，那是专家们的事，您碉要用您的耳朵去判断就行。有些器材生猛有力、速度奇快、解析力也强，但是不耐久听，那可能就是音质有问题。一件好的音响器材，其音质就应该像一副好嗓子，让人百听不腻。

音色

音色是指声音的颜色。在英文里，音质(Tone　Quality)与音色(Timbre或Tone　Color)一看便知其所指不是同一件事。但是在中文里，音质与音色经常被混用、误用。在音响器材评论里，音色就如乐器一般，是指它特有的颜色。有些器材的音色偏黄、有些偏白、有些偏冷、甚至您可说它是带点忧郁的蓝。总之，音响器材就如乐器一般，几乎脱离不了愈贵音色愈美的事实。一把二百万美金的小提琴其音色可能美得泛看金黄色的光泽;而一把五千台币的小提琴其音色有可能像褪了色的画。当然，每个人都有选择音色的自由，就好像每个人对「美」都有不同的看法般。虽然观点各异，但是，「美」仍然有?一个大家承认的「共识」，您不能辩说一个朝天鼻者是「美的化身」;同样的，您也不能说一件泛看冷绿音色的器材是美。这就是我们对音色之美的共识。

高、中、低各频段量感的分布

这个项目很容易了解，但也很容易产生文字传达上的误解。怎么说呢?大家都会说:这对喇叭的高音太强、低音太少。这就是高、中、低频段的量感分布。问题出于如果把从20Hz到20KHz的频宽碉以三段来分的话，的混淆。到底您的低音是指那里呢?多低呢?为了让形容的文字更精确，有必要把20Hz～20KHz的频宽加以细分。照美国TAS与Stereophile的低每段再细分为三小段，也就是变成「较低的中频、中频、较高的中频种分法就像十二平均律一般，相当规律化。不过用在中国人身上就产生了一些翻译上的小问题，如「较低的中频」我们是要称作「中低频」还是「低中频」?那么较高的低频呢?「高低频」吗?对于中国人而言，老外这种分法恐怕行不通。因此很早以前我便参考乐器的频宽，以及管弦乐团对声音的称呼，将20Hz～20KHz的频率分为极低频、低频、中低频、中频、中高频、高频、极高频等七段。这七段的名词符合一般中国人的习惯称呼，而且易记，不会混淆。

从20Hz到40Hz这一个八度我称为极低频。这个频段内的乐器很少，大概碉有低音大提琴、低音巴松管、土巴号、管风琴、钢琴等乐器能够达到那么低的音域。由于这段极低频并不是乐器的最美音域，因此作曲家们也很少将音符写得那么低。除非是流行音乐以电子合成器刻意安排，否则极低频对于音响迷而言实在用处不大。有些人误认一件事情，说虽然乐器的基音没有那么低，但是泛音可以低至基音以下。其实这是不正确的，因为乐器的基音就是该音最低的音，泛音碉会是二倍、三倍、四倍、五倍……等的往上爬高，而不会有往下的音。这就像您将一根弦棚紧，弦的全长振动频率就是基音，二分之一、三分之一、四分之一、五分之一……等弦长的振动就是泛音。基音与泛音的相加就是乐器的音色所致。换句话说，小提琴与长笛的A音(LA音)基音都是440Hz，但是由于泛音强弱结构的不同，产生了小提琴与长笛音高相同，音色不同的表现。

从40Hz～80Hz这段频率称为低频。这个频段有什么乐器呢?大鼓、低音大提琴、大提琴、低音巴松管、巴松管、低音伸缩号、低音单簧管、土巴号、法国号等。这个频段就是构成浑厚低频基础的大功臣。通常，一般人会将这个频段误以为是极低频，因为它听起来实在很低了。如果这个频段的量感太少，丰润澎游的感觉一定没有;而且会导致中高频、高频的突出，使得声音失去平衡感，不耐久听。

重新为如何写、看器材评论文章下个较详细的分项。让我自已、「音响论坛」的评论员、以及读者们都有一个明确的指引。唯有这样，文字的传达才能作到最低失真；也唯有如此，器材评论的文章才能更扎实、精练，且言之有物。（图）

从80Hz～160Hz之间，我称为中低频。这个频段是台湾音响迷最头痛的，因为它是造成耳朵轰轰然的元凶。为什么这个频段特别容易有峰值呢?这与小房间的长、宽、高尺?有关。大部份的人为了去除这段恼人的室值，费尽心力吸收这个频段，使耳朵不致于轰轰然。可惜，当您耳朵听来不致轰轰然时，下远的低频与上遨的中频恐怕都已随看中低频的吸收而呈凹陷状态，而使得声音变瘦，缺乏丰润之感。更不幸的是，大部份的人碉因室值消失而认为这种情形是对的。这就是许多人家里声音不够丰润的原因之一。这个频段中的乐器包括了刚才低频段中所提及的乐器。对了，定音鼓与男低音也要加上去。

从160Hz～1280Hz横跨三个八度(320Hz、640Hz、128OHz)之间的频率我称为中频。这个频段几乎把所有乐器、人声都包含进去了，所以是最重要的频段。读者们对乐器音域的最大误解也发生在此处。例如小提琴的大半音域都在这个频段里，中提琴更不必说了。所有的管乐器就都在此处。男高音的声音也完全包括在这个频段里。不要以为女高音音域很高;一般而言，它的最高音域也才在中频的上限而已。从上面的描述中，您一定也了解这段中频在音响上是多么重要了。碉要这段频率有凹陷，声音的表现马上变瘦了。有时，它这种瘦很容易被解释为「假的凝聚」。我相信有非常多的音响迷都处于中频凹陷的情况而不自知。这个频段的重要性同时也可以从二音路喇叭的分频点来分析。一般二音路喇叭的分频点大多在2500Hz或3000Hz左右，也就是说，2500Hz以上由高音单体负责，2500Hz以下由中低音单体负责。这2500Hz与我们的中频上限l280Hz有什么关系呢?2500Hz约莫是1280Hz的二倍，也就是说，为了怕中低音单体在中频极限处产生太大的分频点失真，设计师们统统把分频点提高到中频上限的二借处，如此一来，最完美的中频就可以由中低音单体发出。邦么，高音单体做什么用呢?如果您曾经将耳朵贴近高音单体，您就听到一片「嘶嘶」的声音，邦就是大部份乐器泛音所在。如果没有高音单体发出嘶嘶的泛音，单用一个中低音单体来唱音乐必然是晦暗不堪的。当然，如果是三音路设计的喇叭，这段中频绝大部份会被包含在中音单体中。

从1280Hz～2560Hz称为中高频。这个频段有什么乐器呢?小提琴约有四分之一的较高音域在此，中提琴的上限、长笛、单簧管、双簧管的高音域、短笛的一半较低音域、跋、三角铁等。请注意，小喇叭并不在此段频域中，它碉到中频而已。从这些乐器的音域中，读者们可以了解到中高频其实很容易辨认，碉要是弦乐群的高音域及木管的高音域都是中高频。这个频段很多人都会误以为是高频，因此请您特别留意。

从2560Hz～5120Hz这段频域，我称之高频。这段频域对于乐器演奏者而言，已经很少有机会涉入了。因为除了小提琴的音域上限、钢琴、短笛高音域以外，其余乐器大多不会出现在这个频段中。从喇叭的分频点中，我们也可以发现到这段频域全部都出现在高音单体中。如我前面所言，当您将耳朵靠近高音单体时，您所听到的不是乐器的声音，而是一片嘶嘶声。从高音单体的表现中，可以再度证明高音单体几乎没有发出乐器或人声的基音，它碉是发出基音的高倍泛音而已。

从5120Hz～20000Hz这么宽的频段，我称之为极高频。各位可以从高频就已经很少有乐器出现的事贡中，了解到极高频所容纳的尽是乐器与人声的泛音。一般乐器的泛音大多是愈高处能量愈小，换句话说，高音单体要制造得很敏锐，能够清楚的再生非常小声的泛音。从这里，发生了一件困扰喇叭单体制造的事情，那就是要如何二全其美?!什么是「二全」?您有没有想过，假若一个高音单体为了清楚再生所有细微的泛音，不顾一切的设计成很小的电流就能推动振膜，那么同样由这个高音单体所负责的大能量高频与中高频极可能就会时常处于失真的状态，因为这二个频段的能量要比极高频大太多了。这也是目前市面上许多喇叭极高频很清楚，却容易流于刺耳的原因之一。您还记不记得以前的Spendor SP-l喇叭?它是三音路设计，那三音路呢?中低音单体、高音单体、超高音单体三路。那个超高音单体负责13000Hz以上的频率。我记得当时有许多人都「不解」，为什么SP-1有超高音单体，而声音却是那么的柔呢?应该要很锐利才对呀!现在我想您该了解了吧!SP-l的设计着眼点在于使高音单体不会失真，而又能再生极高频。这就是SP-l听起来很舒服，具有音乐性的原因之一。

在音响器材的规格表上，每件器材看起来性能一样，但实际听了之后，就会发现有些低频较足，有些高频较弱，一个评论员一定要以比较的方式将20HZ～20KHz频域中的强强弱弱告诉读者，提供他们在搭配器材时的参考数据，否则，高频强对上高频强，那肯定是要换机的。

音场形状

「音场」到底是什么?在美国，有「Sound Field」与「Sound Stage」二个名词。「Sound Fie1d」泛指整个声音充塞的空间;「S0undStage」特指舞台上乐队的排列 (包括宽、深、高、低)。在台湾，我们所谓的「音场」其实是指「Sound Stage」而言，因为无论是 「声音的舞台」或 「音台」都无法让人望文生义。至于「Sound Field」，我们早已用另外一个名词代替，那就是 「空间感」。因此，当我们提到 「音场的形状」时，就是指您的器材所再生的乐团排列形状。由于受到频率响应曲线分布不均匀以及喇叭指向性、房间条件的影响，有些音场是内凹形的、有些是宽度大于深度的;有些是深度大于宽度的。有些音场形状就是四四方方，没有内凹的。这种声音舞台不同形状的再生，我称为音场的形状。最好的音场形状当然要与录音时的原样符合。在此我要提出一个值得注意之处:现场演奏时的录音，其乐团的排列是宽度大于深度的;但在录音室中，往往为了音响效果，乐团的排列方式会改变，通常纵深会拉长，尤其是打击乐器会放得更远一些。如此一来，就不是我们在音乐厅中所见到的排列。关于这点，挑剔的读者以及评论员们不可不察。

音场的位置

这里面包括音场的前、后、高、低。有些器材会使整个音场向聆听者逼近:有些则后退。有些音场听起来会觉得浮在半空中:有些则又像坐在音乐厅的二楼看舞台一般。会形成音场位置的原因很多，像喇叭的摆位与频率响应的不均匀皆是重大影响因素。一个理想的音场位置应该如何呢?低音大提琴、大提琴的声音应该从较低的地方出来，小提琴的位置要比低音大提琴及大提琴高;如果录音时乐团有前低后高的排列时，音场内也要有前低后高的模样出现，像铜管就极有可能位置较高，而整个音场的高度呢?当您坐着时两眼平视的高度应该是音场的略低高度。换句话说，小提琴应该在视线以上，大提琴、低音大提琴应在视线以下。铜管至少要与小提琴等高或更高。至于音场的前、后位置应该在邦里?应该在「喇叭前沿一线」开始往后延伸。当然，这种最理想的音场位置不容易求得，因为它与聆听软件也有极大的关系。通常，从喇叭后沿一线往后延伸比较容易求得，不过，不能「后缩」得太多。

音场的宽度

常常听到发烧友夸口:「我的音场不只超出喇叭、宽抵二侧墙，甚至破墙而出。」这句话在外行人听来，简直是天方夜谭。在我听来，则仅是有一点夸张而已。通常，在流行音乐的演奏中，您可以偶而听到有乐器在喇叭外侧响起;而在古典音乐演奏时，您往往也会觉得乐团的宽度已经超出二个喇叭之间的宽度，这就是超出喇叭、宽抵二侧墙。我想许多音响迷都有这种经验，不必我再多费唇舌。至于破墙而出，那恐怕就要靠一点想象力了。至少，以我而言，我要「用眼睛能够看得到」音场在那里才算数，墙外的东西我看不到，我不能肯定它在那里。所以，我的音场宽度其实碉在我的墙壁之内而已。

音场的深度

这就是我们平常所说的「深度感」，现在我把它归于音场的深度。为什么不像以前一样，将它与层次感、定位感并列呢?因为层次与定位谈的不是音场，而深度感却仍属音场的范围之中，所以，从现在开始，我将它改成「音场的深度」而不再以「深度感」称之。与「音场的宽度」一样，许多人会说他家的音场深度早已破墙而出，深到对街。这当然也仅是满足自己的形容词而已。真正的「音场深度」指的是音场中最前一线乐器与最后一线位置的距离。换句话说，它极可能是指小提琴与大鼓、定音鼓之间的距离。「宽到隔邻、深过对街」这应该是包合在后面要说的「空间感」中。有些器材或环境由于中低频或低频过多，因此大鼓与定音鼓的位置会前冲，此时，音场的深度当然很差。另有一例，有些音场的位置向后缩，结果被误以为音场的深度很好，那是错误的。我相信，您碉要把握住「小提琴到定音鼓、大鼓之间的距离」这句话就不会错了。

透明感

这个名词我已经提过多次了。它几乎是一个碉可意会、不可言传的名词。有些器材听起来澄澈无比，有些则像蒙上一层灰般，碉要是有换机经验的人一定就有这种感觉。透明感是「音响二十要」中很重要的一个环节，因为如果透明感不佳的话，连带也会影响对其余各项的判定。最好的透明感是柔和的，听起来耳朵不会疲劳:较差的透明感像是刺眼的阳光，虽然看得清楚，但很伤神。大部份的音响器材无法达到既清楚又柔和的透明程度，而碉能单单表现「清楚」而已。如果肯皂够达到「清楚又柔和」，那么该件器材的价值恐怕也不低了。

层次感

层次感很容易了解，它是指乐器由前往后一排排的间隔能否清楚再生。以电视而言，深灰与黑能够分辨出来的话就是有层次感。音响亦然，乐团的排列不会混在一起就是有好的层次感。更甚者，我们要听到乐器与乐器之间的空间感，这样才会有最好的层次感。

定位感

顾名思义，定位感就是将位置「定在那里」。聚焦不准定位感就差，结像力不佳定位感就不行，器材的相位失真也导至定位的漂移;甚至空间中直接音与反射音的比例不佳也会导至定位不准。总之，定位感不佳可能由许多原因造成，我们不管它是怎么形成的，我们要求的是乐器或人声要浮凸而清楚的「定」在那里，不该动的时候就不要动。

解析力

这个名词最容易懂，玩过相机的人都知道镜头解析力好坏的差距;看电视的人也知道自己的电视能把一片黑色的头发解析得丝毫不混就是解析力好的表现。好的音响器材，即使再细微、再复杂的东西都能清楚的表达出来，这就是解析力。

速度感

所谓速度感就是指器材的上升时间、瞬时反应。事实上速度感不佳也就是另一种面貌的失真。该你动的时候你动不起来，该你停的时候又停不了;该在最短的时间内爬升到一定的电压高度你作不到。这些弱点通通会表现在速度感身上。速度感快的同义字就是反应快。通常，我们可以从打击乐器触理的那一?那来判定速度感的快慢。当然，还有其它方法也一样能够据以判断。我想，对于速度感的感受应该是没有什么疑义的。

强弱对比

也就是动态对比。许多人在运用「动态」这二个字时往往不够精确，把「动态」与「瞬时」混在一起。动态对比就是强弱对比，也就是从极小到极大的无数对比等级。一部好的扩大机不会压缩极强与极弱的对比，而把音乐里活生生的生命力表现出来，而一部较差的扩大机可能无法灵敏的再生较小的声音，而极大的声音呢?也被压缩了，这「无法再生」与「压缩」之间就把本来应该有的强弱对比都扭曲了。许多音响器材听起来不够活泼，没有活生生的生命力，就是强弱对比被扭曲所致。当然，要有完整的强弱对比看似容易，实则不简单，因为音响器材必须具备有极大的动态范围才可以。现在的CD唱盘在规格上都载明90dB以上的动态范围，我相当怀疑，喇叭与扩大机是否能够完整的再生这么大的动态范围。

乐器与人声的大小比例

到底乐器的线条、形体要多大才算对?到底人声要一缕如炼呢?还是要丰润有肉?这个问题一直在困扰着音响迷。理想主义者认为应该按实际乐团的大小比例缩小放入家中聆听室。事实上，这是不可能的。我举一个最简单的例子好了。当钢琴与小提琴在演奏奏鸣曲时，钢琴的形体不知道要超过小提琴多少倍1音量亦然)。如果在录音时不增加小提琴的音量，小提琴往往被钢琴掩没(现场音乐会往往就是如此)。所以在录音时，录音师都会刻意平衡一下小提琴的音量。再来说到整个管弦乐团与小提琴做协奏演出时，如果完全按比例缩小，那么小提琴的声音应该要捆/」、得不能再捆小，而不是我们在CD上所听到的邦么清楚、强劲。所以，正确的「乐器与人声大小比例」不是一味的照章缩小，而是按照合理的音乐要求作大小比例。例如:您不能因为自己在音乐厅中听到的小提琴很弱，便要求小提琴协奏曲的唱片也要再生出如音乐厅中邦么弱的小提琴才是正确。事实上，作曲家与指挥巴不得小提琴愈大声愈好，大音乐厅中的「弱小」完全是不得已的。再如人声与管弦乐团的比例亦然。如要按照整个乐团与一个独唱者的比例而言，人声岂不是应该细瘦如丝才对?事实上，大家都需要丰润有肉的人声。其实，乐器与人声的大小比例最值得注意的不是按比例缩小与否的间题，而是因为频率响应曲线扭曲所造成的误解。例如您的房间在l00Hz左右有严重峰值的话，定音鼓敲起来一定会特别的大、特别有劲;大提琴、低音大提琴亦然。这才是真正错误的比例。所以，在评写「乐器与人声的大小比例」时，应该特别注意频率响应曲线扭曲所造成的影响。

乐器与人声的质感、形体感、空气感

「质感」这个名词相当抽象，我们常说这件家俱的木头质感很好、这套真皮沙发的质感很好;或这个大理石的质感很好。从这个例子中，我们可以了解，所谓「质感」就是指该物体「材质的本性」。因此，当我们在说:「小提琴的擦弦质感很好」，就意谓着「它录得很像小提琴」。当我们说:「跋的敲击质感很好」，也就是说「它敲起来像真的」。反过来说，当我们认为「小提琴擦弦质感不够」时，说的就是「它不像真的」。由此，我们可以很清楚的了解到，所谓质感也就是指「传真度」。雷射唱盘刚推出时，大家都觉得小提琴的声音不像，就是指它的擦弦质感不像真的。而「形体感」则更容易了解，当我们听单簧管吹奏时，我们说它的形体感真好，那就代表看它的声音让我们联想到单簧管的形状，那也是「传真度」的一种。总之，质感与形体感皆是「传真与否」的代名词。

「空气感」又是什么呢?当我们在形容拉奏、敲击键盘乐器时，我们用的是「某某乐器的质感很好」。可是，当我们在形容管乐器时，我们通带不用「质感」二字，而用「空气感」，也就是说吹气的感觉。说得更清楚些，「空气感」是指声波振动的感觉，而质感大部分是「接触」后的感觉。当然，弦乐群除了拉奏时的擦弦质感外，它同时还有弦乐在空气中产生的「空气感」。

细节再生

细节大概是泛指乐器的细节，堂音的细微再生与录音空间中所有的杂音。一件音响器材细节再生的多寡很容易经由AB Test比较出来。为什么有些器材所再生的细节较多呢?我想这与低失真、高讯噪比、高灵敏度、解析力、透明感等都有关。细节少的器材听起来平板乏味:细节多的器材听起来趣味盎然。在诸多音响器材中，喇叭最容易分辨出其细节的多寡。一件优秀的音响器材，其细节的再生当然是丰富无比的。

空间感

我常常说，如果一套音响系统(包括器材与空间)能够「使音场浮出来」，那么它一定也「可以看到」空间感。请注意，我是用「看到」而非「听到」。真正表现好的音场与空间感绝对是可以「看到」的，而非仅「听到」而已。什么是空间感?那就是录音场所的三度空间实体大小。要能够将空间感完全表现出来，绝佳的细节再生是绝对需要的，尤其是「堂音」的再生。我甚至可以说，如果听不到完整的堂音，邦么「空间感」也无法完整的再生出来。什么是「堂音」?是说得白话一点，堂音就是声音发出之后在空间中的反射音。在中文里，「堂音」与「残响」往往又被混淆不清。大部份的人误认「堂音」就是「残响」。其实，这是二种不同的东西。堂音的英文是Ambience，残响的英文是Reverberation。Ambience原意是指周围、环境或气氛，后来被引中为音乐厅中的堂音。从「气氛」二字，我们就可了解它是指包围在我们周围的音乐细节。除了感性的意义之外，Ambience另有一个理性的解释，邦是狭隘的指传入耳朵的第一次反射音。换句话说，藉由第一次反射音与直接音的时间延迟，我们可以「感受到」音乐厅空间的大小。因此，如果我们无法在软件中听到堂音的话，我们便无法「看到」空间感。「残响」在一般的解释中，当然也可以说是反射音，但是残响有一个更严苛的时间定义，那就是指一个猝发音发生之后，声音的能量衰减到原来的百万分之一(60dB)的时间长度。换句话说，通常我们会说:「这个音乐厅的残响真长」，而不是说:「这个音乐厅的残响真丰富、真美」。反过来说，我们也不应该说:「这个昔乐厅的堂音太短」，而应该说:1这个音乐厅的堂音真丰富、真自然」。

整体平衡性

每件音响器材都和指挥在控制乐团一样，应该求得一个整体的平衡性。这就好比一个乐团中，人人皆是独奏的高于，但是每个人都想出风头，不听指挥的诠释，如此，一来虽然个别演奏水平高，但是乐团的整体平衡性一定很差。这样就不是一个好乐团。同理，一件音响器材的前述十七项要素都非常好，但是如果无法把这十七项要素做一个精妙的平衡，那么也一定不耐久听。此时，不管你解析力再高、强弱对比再好也没有用。关于这项，我们无法用尺度去度量出来，要分辨整体的平衡性就像多听音乐会才能分辨乐团好坏一般，碉有靠自己丰富的聆听经验来判断了。

器材个性

每件音响器材都和人一般，有看自己的个性。有些器材听起来像绅仕，有些像火爆浪子;有些温柔得像淑女，有些又热情得像卡门。由于个性不同，因此，在搭配上也就必须如同婚姻大事一样，慎重其事。二件火爆脾气的器材配在一起一定让您难以消受。反之，二件温吞水、慢郎中配在一起也要急死您。所以，器材个性的认知绝对是必要的。

搭配上的推荐

这第二十要是特别为评论员而写的。一个负责任的音响器材评论员应该就他自己丰富的经验，向读者们推荐适合的搭配组合，否则，读者枉费看了前面十九要，却因自己缺乏其它器材的个性数据或搭配经验，到头来仍然不知该项被评器材到底要如何搭配周边器材。对于评论员而言，这是为德不卒。所以，当您写完前面十九项要素之后，一定不要忘了，为读者推荐适合的搭配组合。看完上述「音响二十要」，我相信有些人会认为太繁琐了，但是，为了提升音响器材评论文章的水平，为了让读者有明白的脉胳去判断音响器材的优劣，我认为完整的写完或看完这二十要是必须的。有了这「音响二十要」，评论员们不致于大马行空，读者们也不再满头雾水。我期待这是台湾音响评论文章另一个阶段的开始。